Dischi per testare la separazione strumentale:
il virtuosismo dei Bozzio Levin Stevens

Esiste una vera e propria prova del fuoco nel mondo dell’alta fedeltà, un momento temutissimo in cui molti impianti da svariate migliaia di euro alzano bandiera bianca: la riproduzione dei passaggi musicali complessi. Quante volte vi è capitato di ascoltare una traccia ricca di strumenti e ritmiche sovrapposte, sperando di godervi ogni singola sfumatura, per poi ritrovarvi sommersi da un fastidioso “muro di suono” indefinito? Questo fenomeno, che in gergo potremmo definire “effetto pastone”, si verifica quando l’amplificatore non ha sufficiente riserva di corrente o quando il crossover dei diffusori non riesce a gestire correttamente la fase, facendo collassare il palcoscenico virtuale. Per evitare queste brutte sorprese, la ricerca di dischi per testare la separazione strumentale diventa una priorità assoluta per chiunque voglia valutare seriamente le reali capacità analitiche e dinamiche del proprio sistema hi-fi.

Non stiamo parlando di ascoltare il solito, rassicurante trio jazz pettinato con una voce femminile sussurrata e un contrabbasso rilassato, materiale che suona bene quasi su qualsiasi dispositivo moderno. Se vogliamo davvero mettere alla frusta la nostra catena audio, abbiamo bisogno di energia, di velocità ai transienti, di basse frequenze telluriche e di alte frequenze taglienti che suonino tutte contemporaneamente senza mai pestarsi i piedi a vicenda. È in questo preciso contesto di stress acustico che voglio presentarvi una band nata quasi “di lato” rispetto al mainstream, ma che una volta scoperta vi farà chiedere come abbiate fatto a farne a meno fino ad oggi. Oggi esploriamo il formidabile universo acustico dei Bozzio Levin Stevens, un progetto che unisce tre giganti assoluti della musica mondiale e che ci regala i perfetti dischi per testare la separazione strumentale.

Il territorio dei supergruppi e l’intuizione della Magna Carta

Quando si pronuncia l’acronimo BLS (Bozzio Levin Stevens), il nome stesso dice già tutto a chi mastica un po’ di storia del rock e della fusion. Ci troviamo senza mezzi termini nel pericoloso e affascinante territorio dei supergruppi. Questo progetto non nasce per caso, ma prende vita all’interno delle geniali fucine della Magna Carta, una storica etichetta discografica indipendente che ha sempre avuto un debole dichiarato per il progressive rock e per le collaborazioni di altissimo livello tecnico. La Magna Carta ha intuito che mettendo insieme musicisti dotati di una tecnica trascendentale, lasciandoli liberi dalle logiche commerciali delle radio, si poteva generare qualcosa di irripetibile.

Tuttavia, quando si uniscono tre prime donne della strumentazione, il rischio che il disco si trasformi in una sterile e noiosissima gara a chi suona più note al secondo è altissimo. Il discorso qui si fa incredibilmente interessante proprio perché i tre musicisti coinvolti non sono semplicemente “bravi” nel senso accademico del termine: sono universalmente considerati da fan e addetti ai lavori come dei riferimenti assoluti, dei veri e propri pionieri sui rispettivi strumenti. Ognuno di loro ha letteralmente inventato un vocabolario musicale nuovo, ed è proprio l’intersezione di questi tre linguaggi unici, senza che nessuno sovrasti l’altro, a rendere le loro incisioni dei formidabili dischi per testare la separazione strumentale all’interno dei nostri salotti.

Terry Bozzio: l’architettura percussiva e il test dei transienti

Partiamo analizzando il motore ritmico di questa corazzata: Terry Bozzio. Per molti appassionati di musica, definirlo semplicemente “il batterista” suona quasi come un insulto. Bozzio arriva all’attenzione del grande pubblico grazie all’incontro con il genio di Frank Zappa, e non stiamo certo parlando di una collaborazione marginale di qualche mese. La sua mostruosa tecnica è presente e incisa a fuoco in alcuni dei dischi fondamentali di Zappa degli anni ’70, dove era richiesto un livello di precisione poliritmica che sfidava le leggi della fisica. Successivamente, Bozzio ha vissuto una svolta più pop-rock fondando i Missing Persons, per poi avviare una carriera da turnista di lusso che lo ha reso uno dei batteristi più richiesti in assoluto, collaborando stabilmente con leggende come Jeff Beck, Steve Vai e i britannici UK.

Ma dal punto di vista strettamente audiofilo, cosa rende Bozzio così speciale? La risposta risiede nel suo monumentale drum kit. Terry non suona una batteria tradizionale, ma un’immensa architettura percussiva composta da decine di tom e piatti accordati cromaticamente, come se fosse un enorme pianoforte a percussione. Quando Bozzio esegue i suoi iconici e velocissimi fill melodici sui tom, l’amplificatore deve erogare corrente istantanea per frenare e far ripartire i woofer in frazioni di secondo. Se possedete dei veri dischi per testare la separazione strumentale come quelli dei BLS, potrete valutare la velocità ai transienti del vostro impianto: ogni colpo di bacchetta deve risultare nitido, scolpito e materico, senza che la risonanza del fusto precedente copra l’attacco del colpo successivo. Se il sistema è lento, la magia geometrica di Bozzio si trasformerà in un rumore confuso.

Tony Levin: il Chapman Stick e l’abisso delle basse frequenze

A reggere le frequenze basse e a tessere trame armoniche impossibili troviamo sua maestà Tony Levin, un nome che magari non finisce spesso sulle copertine delle riviste patinate, ma la cui arte è letteralmente ovunque. Levin è uno di quei rarissimi musicisti che, quando inizi a leggere attentamente i crediti e le note di copertina dei dischi che possiedi, ti rendi conto di averlo già ascoltato migliaia di volte a tua insaputa. Le sue linee di basso hanno arricchito i capolavori di Paul Simon, John Lennon, Dire Straits, senza dimenticare il lunghissimo e fondamentale sodalizio artistico con Peter Gabriel. Eppure, la sua consacrazione definitiva come pioniere avviene con la sua esperienza nei King Crimson degli anni ’80.

È proprio con i King Crimson, e successivamente con i BLS, che Levin porta ai massimi livelli l’uso del Chapman Stick, uno strumento a dieci o dodici corde che si suona con la tecnica del tapping a due mani, coprendo simultaneamente il registro del basso e quello della chitarra. Questo strumento è il terrore di ogni diffusore acustico non perfettamente a punto, perché emette frequenze basse calde e profonde che si accavallano costantemente con frequenze medie fortemente percussive. Ecco perché le opere dei Bozzio Levin Stevens sono perfetti dischi per testare la separazione strumentale: se il vostro sistema non ha un incrocio (crossover) perfetto tra woofer e midrange, il suono del Chapman Stick risulterà nasale, confuso e privo del suo caratteristico attacco metallico. Un buon hi-fi deve farvi percepire il polpastrello di Levin che percuote la corda contro il tasto.

Steve Stevens: la chitarra tra melodia, rock e flamenco

A completare questo triangolo di virtuosi troviamo Steve Stevens alla chitarra elettrica ed acustica. Tra i tre, il suo è probabilmente il volto (e la capigliatura) più riconoscibile al grande pubblico degli anni ’80. Stevens è storicamente noto per essere stato il braccio destro, il co-autore e la mente musicale dietro i dischi più iconici e venduti di Billy Idol, regalando al mondo riff memorabili e assoli al fulmicotone. Ma la sua versatilità è sbalorditiva: ha suonato su un capolavoro planetario come Bad di Michael Jackson, ha vinto un prestigiosissimo Grammy Award per la colonna sonora del film Top Gun (il celebre Top Gun Anthem), e ha collaborato con artisti agli antipodi come Joni Mitchell e Robert Palmer.

Stevens vive felicemente su due binari paralleli: da un lato la band rock da stadio, dall’altro l’intensa e certosina attività di studio. Nei BLS, il suo stile si arricchisce di sfumature inaspettate, che spaziano dal metal più granitico a meravigliose escursioni acustiche in stile flamenco. Dal punto di vista della riproduzione audio, la sua chitarra è un test eccezionale per la gamma media e acuta dei vostri diffusori. L’utilizzo sapiente di effettistica analogica, ritardi (delay) e riverberi crea spazi tridimensionali enormi. In questi dischi per testare la separazione strumentale, la chitarra di Stevens non deve mai risultare tagliente o graffiante sui tweeter, ma deve stagliarsi liquida e corposa davanti al muro ritmico creato da Bozzio e Levin, mantenendo un “nero infrastrumentale” che permetta di cogliere i respiri e gli strusciamenti delle dita sulle corde.

Quando l’ego si fa da parte: la nascita di Black Light Syndrome

Ora, fate un piccolo sforzo d’immaginazione e mettete insieme nella stessa sala di registrazione tre musicisti con questo curriculum. Parliamo di tre carriere piene di successi mondiali, tre personalità forti e tre ego potenzialmente ingombranti capaci di far deragliare qualsiasi progetto. E invece, in un piovoso aprile del 1997, succede una cosa musicalmente miracolosa. I Bozzio Levin Stevens entrano in studio non per fare la classica esibizione muscolare e far vedere al mondo “quanto sono bravi”, ma spinti dal desiderio viscerale di suonare davvero insieme, ascoltandosi reciprocamente con un’umiltà sorprendente per artisti della loro caratura.

Il risultato di questi storici incontri è il loro primo disco, Black Light Syndrome. Questo album è una specie di calamita irresistibile per chi ama il rock strumentale, il progressive e la fusion più contaminata. La genesi di questo capolavoro ha dell’incredibile: i tre si ritrovarono in studio letteralmente senza alcun materiale scritto o pre-composto. Hanno semplicemente collegato gli strumenti, premuto il tasto “record” sul banco di missaggio e iniziato a improvvisare liberamente, costruendo i brani in tempo reale basandosi sull’interazione telepatica dei loro strumenti. Se cercate dei dischi per testare la separazione strumentale, la purezza di questa registrazione dal vivo in studio, senza sovraincisioni correttive, vi regalerà l’illusione assoluta di avere la band schierata a pochi metri dal vostro divano.

L’ascolto consapevole: le lunghe suite e il brano Duende

Black Light Syndrome si compone di sette brani massicci, quasi tutti molto lunghi e strutturati, alcuni dei quali si avvicinano pericolosamente alla soglia dei dieci minuti di durata. Sia chiaro: non stiamo parlando in alcun modo di musica usa e getta da ascoltare distrattamente in sottofondo mentre si lava l’auto o si scrollano i social network. Questa è musica complessa, densa e stratificata che richiede dedizione, attenzione e, soprattutto, tempo. È un ascolto che vi impone di sedervi esattamente al centro del vostro impianto (lo sweet spot), chiudere gli occhi e lasciarvi trasportare dal flusso magmatico delle note, seguendo un filo conduttore che si sposta continuamente dalla batteria al basso, per poi sfociare nella chitarra.

Per mettere alla prova il vostro impianto, vi suggerisco caldamente di partire con il brano Duende, un capolavoro assoluto e integralmente improvvisato contenuto nel primo album. In questa traccia, Stevens imbraccia la chitarra classica sfoderando un tocco spagnoleggiante sublime, mentre Levin tesse una tela ritmica sotterranea e Bozzio ricama sui piatti con una delicatezza assoluta. È uno dei migliori dischi per testare la separazione strumentale perché il decay (decadimento) naturale del suono della chitarra acustica si mescola con le frequenze bassissime di Levin. Un buon hi-fi manterrà i tre strumenti perfettamente intellegibili e separati nello spazio tridimensionale della vostra stanza; un impianto scadente vi restituirà un ammasso sonoro confuso che toglierà tutto l’ossigeno all’esecuzione.

Un progetto fuori dalle logiche: l’arrivo di Situation Dangerous

L’atipicità di questo supergruppo si manifesta anche nelle loro (poche) scelte commerciali. Dopo la clamorosa e fortunata uscita del primo disco, acclamato dalla critica di settore, non viene organizzato alcun vero tour mondiale di supporto. Questa scelta non è dettata dal fatto che il progetto non funzioni o non venda, ma per il semplice, banale motivo che i tre musicisti hanno agende individuali letteralmente impossibili da incastrare, essendo costantemente in tournee con altri artisti o impegnati in infinite sessioni di registrazione conto terzi. Questa sporadicità diventerà purtroppo (o per fortuna) una costante del gruppo. I BLS non sono una band “tradizionale” che vive nel tour bus; sono un’entità astratta che si materializza magicamente solo quando le condizioni astrali e temporali lo permettono.

Nel 2000, contro ogni pronostico, i tre riescono finalmente a ritagliarsi uno spazio di tempo e pubblicano il secondo album, intitolato Situation Dangerous. Questo secondo capitolo viene registrato con un’urgenza incredibile, in soli 14 giorni di convivenza in studio. Il risultato è un disco strutturalmente diverso dal primo: i brani sono leggermente più concisi, la composizione è più ragionata e meno basata sulla totale improvvisazione, e l’impatto sonoro risulta sotto certi aspetti molto più diretto, quasi aggressivo. Tuttavia, l’idea di fondo non cambia di una virgola: rimangono tre musicisti alieni che dialogano in tempo reale, si ascoltano profondamente e, soprattutto, si lasciano spazio a vicenda, regalandoci nuovi ed eccezionali dischi per testare la separazione strumentale.

Testare la tridimensionalità con Spiral e Tzigane

Scavando all’interno della tracklist di Situation Dangerous, troviamo delle vere e proprie perle acustiche e dinamiche per palati fini. Un brano che vi consiglio di ascoltare a volumi sostenuti per valutare l’impatto fisico del vostro amplificatore è “Spiral”. In questa composizione la sezione ritmica crea un groove granitico e dispari, su cui Stevens appoggia fraseggi distorti di rara potenza. La sfida per i vostri diffusori sarà quella di mantenere il rullante di Bozzio sempre in primo piano, fulmineo e asciutto, nonostante il muro sonoro innalzato dal basso iper-effettato di Levin. Se il vostro sistema tiene botta, vi accorgerete fisicamente dello spostamento d’aria generato dai woofer.

Un’altra traccia formidabile e dal sapore totalmente diverso è Tzigane. Qui le atmosfere si fanno più rarefatte, misteriose e dal gusto vagamente arabeggiante. Le percussioni esotiche e l’uso di effetti di ritardo creano un palcoscenico largo e altissimo, che nei migliori sistemi hi-fi si estende ben oltre le pareti fisiche della stanza. Utilizzare questo lavoro discografico come riferimento tra i vostri dischi per testare la separazione strumentale vi insegnerà ad apprezzare l’importanza del silenzio tra le note e la capacità del vostro convertitore DAC di estrarre dal file digitale i più minuti riverberi ambientali, restituendo la sensazione tattile della sala di registrazione.

Il lungo silenzio discografico e la magia del momento giusto

E oggi? Dopo l’esplosione creativa del biennio 1997-2000, sui Bozzio Levin Stevens è calato un lunghissimo silenzio discografico. Nonostante le pressanti richieste dei fan sparsi in tutto il mondo, non è mai stato prodotto un terzo album in studio. Questo silenzio non è certo dettato da una mancanza di idee o da liti interne (come spesso accade nel rock), ma dalla semplice constatazione che ognuno di loro continua ad avere una carriera individuale spaventosamente impegnativa e ricca di soddisfazioni. Terry Bozzio porta in giro i suoi mastodontici assoli percussivi, Tony Levin continua a essere il pilastro dei King Crimson e di Peter Gabriel, e Steve Stevens non ha mai smesso di calcare i grandi palchi mondiali.

E a ben pensarci, forse va benissimo così. I Bozzio Levin Stevens non sono assolutamente una band progettata per fare un “ritorno forzato” spinto dalla nostalgia o dal bisogno di fare cassa. Sono l’essenza stessa di un progetto che vive esclusivamente di un delicatissimo equilibrio umano e artistico, di incastri temporali impossibili e di momenti irripetibili. Hanno detto tutto quello che c’era da dire in due album perfetti, lasciandoci un’eredità musicale purissima che non è stata intaccata dal tempo o dalle mode passeggere, e fornendoci per sempre il materiale perfetto per mettere alla prova le nostre esose catene ad alta fedeltà.

Conclusioni: un ascolto che ripaga sempre

Perché ho deciso di parlarvi con tanto entusiasmo dei BLS in questo articolo? Perché rappresentano una vera anomalia positiva nel panorama musicale, uno di quei rarissimi casi in cui il logoro concetto di “supergruppo” non si trasforma in un inutile ed estenuante esercizio di stile fine a se stesso. Qui il virtuosismo tecnico non schiaccia mai la musicalità della composizione, ma al contrario la sostiene, la eleva e le permette di esplorare territori inesplorati. È un ascolto complesso, cerebrale e fisico al tempo stesso, che se affrontato con la giusta predisposizione mentale e l’impianto acceso, ripaga l’ascoltatore in modo sbalorditivo.

Certo, non è una band per tutti. Non ci sono ritornelli orecchiabili da canticchiare sotto la doccia, e i brani richiedono una soglia di attenzione che oggi sembra merce rara. Ma non devono e non vogliono assolutamente essere per tutti. Se amate il rock strumentale suonato a livelli tecnici inarrivabili, se vi affascina il dialogo serrato tra gli strumenti, se possedete un bell’impianto hi-fi e cercate la sfida definitiva, allora sapete cosa fare. Inserite questi due capolavori tra i vostri dischi per testare la separazione strumentale, sedetevi comodi, alzate il volume e preparatevi a viaggiare. I Bozzio Levin Stevens vi stanno aspettando.